Estreno: sábado 4 de mayo 2013

El Centro Cultural PUCP, junto a BBVA Continental, Petrobras y Stella Artois se complacen en presentar la obra cumbre y ganadora del premio Pulitzer VIAJE DE UN LARGO DÍA HACIA LA NOCHE, escrita por el gran dramaturgo estadounidense Eugene O’Neill, en el marco del 50 aniversario de su fallecimiento. La dirección está a cargo de Roberto Ángeles y será llevado a escena por un elenco extraordinario compuesto por Alberto Isola, Sofía Rocha, César Ritter, Fernando Luque, Daniela Baertl y Diego Otero

SOBRE LA OBRA

Es 1912 en la casa de la familia Tyrone en Connecticut. James Tyrone, el padre, es un actor de 65 años, dueño de muchas propiedades, pero profundamente avaro. Su esposa, Mary Tyrone, ha vuelto a casa después de recibir un tratamiento que aliviaría su adicción a la morfina. Uno de sus hijos también es actor, Jamie, pero su dependencia al alcohol hace su personalidad cada vez más inestable. El otro hijo, Edmund, inclinado a la literatura, padece tuberculosis.

Llega a casa Mary Tyrone después de algunos días de ausencia. La familia espera preocupada el diagnóstico sobre la salud, cada vez más débil, de Edmund. Conforme avanza la obra, se evidencia que Mary ha vuelto a recaer en su adicción y que Edmund efectivamente tiene tuberculosis. Esta revelación ocasiona que los miembros de la familia confronten viejos conflictos, imposibles de olvidar. La desolación y el desamparo no les permiten vivir en paz, el resentimiento y el amor los incita a confrontarse. 

Reaparece la avaricia, la incapacidad de madurar, la ausencia de futuro, la poca identidad, la frialdad y la intolerancia. Se trata de un largo viaje hacia la noche donde lo verdaderamente memorable está asociado a lo verdaderamente doloroso.

Aclamada por la crítica, VIAJE DE UN LARGO DÍA HACIA LA NOCHE, además de ser autobiográfica, es considerada la obra más completa y cumbre de O’Neill. Recibió el premio Pulitzer póstumo al ser publicada poco después de su muerte.

OTRAS REPRESENTACIONES DESTACADAS

En vísperas de su muerte, Eugene O´Neill decide no publicar VIAJE DE UN LARGO DÍA HACIA LA NOCHE hasta que sucedan 25 años de su desaparición. Sin embargo, la expectativa por llevar la obra a escena fue mayor: en 1956 Karl Ragnar Gierow, director del Dramaten en Estocolmo, reunió a reconocidos actores suecos que lograron retratar con maestría las desavenencias de la familia Tyrone. No pasó mucho tiempo hasta el estreno de la obra en Nueva York, esta vez a cargo de José Quintero. El elenco estuvo conformado por Fredric March (James Tyrone), Florence Eldridge (Mary Tyrone), Jason Robards, Jr. (Jamie Tyrone), Bradford Dillman (Edmund), Katharine Ross (Cathleen).

La obra ha sido interpretada en varios países alrededor del mundo como Dinamarca, Inglaterra, Alemania, Francia, Austria, Portugal, Canadá, España, México, Argentina y adaptada para producciones cinematográficas y televisivas. Una de las producciones más recientes es la que se llevó a cabo en Oslo en el 2010, con Liv Ullman como Mary Tyrone.

EUGENE O’NEILL – EL DRAMATURGO

Nace en Nueva York el 16 de octubre de 1888. Es dramaturgo, escritor y periodista. Premio Nobel de Literatura en 1936 y cuatro veces ganador del premio Pulitzer.

Long Day`s Journey into Night (1956) es considerado su mejor trabajo, además de ser una obra prácticamente autobiográfica. Es el hijo menor de James O’Neill, un actor de teatro de origen irlandés, y de Ella Quinlan O’Neill.

La primera representación de una obra de O’Neill, Beyond the Horizon (1920),  fue un éxito absoluto en Broadway y le hizo acreedor al Premio Pulitzer. Entre sus trabajos más reconocidos se encuentran Anna Christie (Premio Pulitzer, 1922), Desire Under the Elms (1924), Strange Interlude (Premio Pulitzer, 1928), Morning Becomes Electra (1931), The Iceman Cometh (1940) y A Moon for the Misbegotten (1947).

Se le reconoce la introducción del realismo dramático a la dramaturgia americana, iniciado por Antón Chéjov, Henrik Ibsen, y August Strindberg. Por lo general, sus obras cuentan con personajes que luchan por mantener sus esperanzas y anhelos, aunque suelen acabar desilusionados y cayendo en la desesperación. Sus obras exploran las instancias más sórdidas de la condición humana.

Eugene O’Neill muere en 1953, a la edad de 65 años, en una habitación del Hotel Sheraton en Bay State Road, Boston.

ROBERTO ÁNGELES – EL DIRECTOR

Director, profesor de teatro y dramaturgo, estudió en el Colegio de la Inmaculada de Lima y en la Facultad de Letras de la Pontificia Universidad Católica del Perú y luego pasó en 1976 a la Escuela de teatro. Dirige un taller de formación actoral por donde han pasado numerosos actores de renombre como Vanessa Saba, Jimena Lindo, Carlos Carlín, Paul Vega, Norma Martínez, Karina Calmet, entre otros. En los años 90 dirigió obras como ¿Quieres estar conmigo?, La noche de los Asesino y Equus. En el año 2002 empezó a laborar como profesor en la Escuela de Derecho de la PUCP y también en la Universidad del Pacífico. Posteriormente dirigió las obras Antígona, Respira, Volpone, El mercader de Venecia, Actos indecentes, El cruce sobre el Niágara, La doble inconstancia, entre otras. En 2012 presentó las obras Laberinto de monstruos de César de María en la sala de teatro de la Biblioteca Nacional, A ver un aplauso en el auditorio del MALI y Cenando entre amigos de Donald Margulies en el nuevo Teatro de Lucía.

ELENCO

JAMES TYRONE – Alberto Isola
MARY TYRONE – Sofía Rocha
JAMIE TYRONE, JR. – César Ritter
EDMUND TYRONE – Fernando Luque
CATHLEEN – Daniela Baertl
EUGÈNE – Diego Otero

ALBERTO ISOLA

Reconocido actor, director y profesor de teatro peruano formado en el Teatro Piccolo de Milán y más tarde en el Drama Center de Londres. Ha estelarizado obras como El mercader de Venecia, El Rey Lear, Otelo, Ay Carmela, Ardiente Paciencia, La muerte de un viajante, Fausto, La Nona, Al pie del Támesis, Sacco y Vanzetti, Volpone y Rojo entre muchas otras. Como director ha montado numerosas obras como Séptimo cielo, Hamlet, Pinocho, Ña Catita, El Cine Edén, Esperando La Carroza, Extras, Madre coraje y sus hijos, Sangre como flores, La pasión según García Lorca, La Falsa Criada, La vida en dos horas y Te odio amor mío. En televisión, fue parte del reparto de Mi problema con las mujeres que fue nominada a los Premios Emmy Internacional en la categoría Mejor comedia.

El 10 de junio de 2011 recibió un reconocimiento con motivo del homenaje por el 50 aniversario del TUC que realizó el Centro Cultural Peruano Japonés en el marco de su ciclo “Charlas Memorables del Teatro Peruano”.

SOFÍA ROCHA

Reconocida actriz formada en el grupo Teatro del Sol, el taller de Umbral y el LAMDA workshop.
En 2006 actuó en la obra Antígona, dirigida por Roberto Ángeles. Grabó para la película El acuarelista, que se estrenó el año siguiente.
En 2007 protagonizó la obra Un matrimonio en Boston y posteriormente viajó a Londres, Inglaterra, para llevar cursos de expresión corporal en The London Academy of Music and Dramatic Art. Sofía regresó a Perú en 2010 y seguidamente protagonizó la obra de tragedia griega Medea, dirigida por Gisela Cárdenas. En el año 2011 protagonizó la obra de teatro infantil El juego de la Oca y también participó en Sangre como flores, la pasión según García Lorca, Entonces Alicia cayó, La cura en Troya, El lenguaje de las sirenas y actualmente actúa en Corazón normal, bajo la dirección de Juan Carlos Fisher.

CÉSAR RITTER

Actor egresado del Taller de Formación Actoral de Roberto Ángeles. Ha integrado varias series de televisión como Rita y yo (2007), Rita y yo y mi otro yo (2009),  Los exitosos Gome$ (2010) y la telenovela en corte clown La santa sazón (2011), producida por July Naters.

En teatro ha participado en numerosos montajes dentro de los que figuran Episodio II: La mujer del idiota (2010) Visitando al Sr. Green (2010), Mi primera vez (2010), Escuela de payasos (2010), Medea (2010), La doble inconstancia (2011), Escuela de payasos (2011), Drácula (2012), Cenando entre amigos (2012) y La vida es sueño (2012).

FERNANDO LUQUE

Joven actor egresado del  Taller de Formación Actoral de Roberto Ángeles. Ha participado en montajes importantes como Laberinto de monstruos de César de María, dirigido por Roberto Ángeles, Newmarket (nominada a mejor obra de teatro por El Comercio) de Jorge Castro, dirigido por Carlos Galiano, Una noche con Groucho Marx, escrita y dirigida por Gonzalo Benavente.

Actualmente integra el elenco de Corazón Normal dirigida por Juan Carlos Fisher.

DANIELA BAERTL

Joven actriz y educadora egresada de la Especialidad de Artes Escénicas de la Facultad de Ciencias y Artes de la Comunicación de la Pontificia Universidad Católica del Perú, y del Taller de Formación Actoral de Roberto Ángeles. Además, ha llevado talleres de canto, trapecio y stand up comedy, y tiene una maestría en Ciencias interdisciplinarias de la educación de la State University of New York.

Ha participado en numerosos montajes como La Madonnita, Emma, un dibujo en el mundo real, Casa y jardín y A ver un aplauso. En los últimos dos años se ha dedicado a la docencia de teatro en el Centro Preuniversitario de la PUCP, centros culturales como el de Ricardo Palma y El Olivar, y actualmente es profesora de teatro del colegio Roosevelt.

DIEGO OTERO
Joven actor egresado del Taller de Formación Actoral de Roberto Ángeles y psicólogo clínico egresado de la Pontificia Universidad Católica del Perú.

Además, estudió actuación en el taller de Paco Solís del colegio La Inmaculada. Participó en Severa Vigilancia, dirigida por Mikhail Page.

FICHA TÉCNICA

Dirección : Roberto Ángeles
Asistencia de dirección : Nadine Vallejo
Traducción y adaptación : Giovanna Pollarolo y Luis Tuesta
Diseño de Vestuario : Maria Lucía Carrillo
Asistente de vestuario : Carolina Silva
Diseño de Escenografía : Milagros Ponce de León
Diseño Gráfico : Jaqueline Prado
Diseño de Iluminación : Rodolfo Acosta
Diseño de Maquillaje : Laura Quijandría
Musicalización y piano : Gabriel Iglesias y Diego Otero
Fotografía : Paola Vera
Observador : Juan José Espinoza
Coordinación de Prensa, Imagen y Publicidad : Gabriela Zenteno
Asistencia de Prensa, Imagen y Publicidad : Aileen Watson y Vera Lucía Jiménez
Coordinación técnica : Juan Escudero
Producción Ejecutiva : Ivette Palomino
Asistencia de producción : Rodrigo Fraselle
Coordinación Artística : Nadine Vallejo
Producción general : Centro Cultural de la Pontificia Universidad Católica del Perú

SOBRE LOS DISEÑADORES

Para la puesta en escena de esta obra maestra de la literatura y del teatro internacional, se ha convocado a diseñadores de alto nivel como María Lucía Carrillo en vestuario y Milagros Ponce de León en la escenografía.

MARIA LUCIA CARRILLO

Reconocida artista y diseñadora de modas de La Sorbonne, París, tiene una amplia trayectoria de diseños y asesorías en la realización de vestuarios para importantes montajes teatrales. Actualmente es directora del prestigioso Instituto internacional del arte y la moda, Mod´Art International Perú.

MILAGROS PONCE DE LEÓN

www.milagrosponcedeleon.com

Reconocida escenógrafa reside en Estados Unidos, actualmente es docente de School of theatre de la Pennstate College of arts and architecture, antes de unirse a la facultad como Profesor Asistente de Diseño Escénico, Milagros Ponce de León ha sido diseñadora y profesora asistente en el Departamento de Cine, Video y Teatro en la Stevenson University desde 2004. Sus áreas de especialización son: Fijar Diseño, Pintura de escena, la representación del escenario, Auto Cad y Artes Teatrales y Tecnología. Milagros ha diseñado profesionalmente en el Baltimore-Washington, DC desde 2001. Otros trabajos destacan en el Catalyst Theatre, el Teatro Everyman, Gala Teatro Hispano, Imagination Stage, el Centro Kennedy para las Artes Escénicas, Etapa Metro, Vivente Opera, Olney Theatre Center, Etapa Rep, Round House Theatre, Teatro Alianza y Tarima Teatro, entre otros. Milagros ha recibido varias nominaciones y reconocimientos por su trabajo. Tiene títulos MFA en Art Studio y Escenografía de la Universidad de Maryland en College Park, ha sido miembro de United Scenic Artists Local-829, desde el año 2004.

Sobre la temporada

Obra: Viaje de un largo día hacia la noche
Estreno: sábado 4 de mayo del 2013
Temporada: Del sábado 4 de mayo al lunes 15 de julio
Funciones: de jueves a lunes a las 8:00 p.m.
Lugar: Centro Cultural PUCP (Av. Camino Real 1075, San Isidro)
Pre-venta: S/. 35.00 (Hasta el 30 de abril)
Entrada general: S/. 50.00
Estudiantes y jubilados: S/. 25.00
Comunidad PUCP: S/. 25.00
Estudiantes PUCP: S/. 20.00
Lunes popular: S/. 35.00
Pasaporte Cultural: S/. 25.00
Lugares de venta: Teleticket y boletería CCPUCP
CCPUCP.

El Centro Cultural de la Pontificia Universidad del Perú se complace en presentar PROYECTO 1980 2000, EL TIEMPO QUE HEREDÉ dirigido por Sebastián Rubio y Claudia Tangoa todos los miércoles de junio a las 8:00 p.m. en el Teatro CCPUCP (Av. Camino Real 1075, San Isidro).

Proyecto 1980 2000, trabajo escénico interdisciplinario fue una de las obras ganadoras de la Convocatoria “Ayudas a la Producción y Exhibición de Artes Escénicas en Perú – 2012” realizada por el Centro Cultural de España en Lima, presentándose por primera vez en setiembre de ese año. En octubre, participó en el Festival de Artes Escénicas de Lima – FAEL 2012, como invitada, llenando La Plazuela de las Artes en sus dos presentaciones.

SOBRE LA OBRA
Cinco jóvenes que crecieron durante el período del conflicto armado interno en el Perú se reúnen alrededor de una mesa para compartir hechos de su vida. Cinco hijos de personas directamente involucradas en diversos eventos políticos ocurridos en esta época cruzan sus biografías mediante fotos, recuerdos y videos para acercarse a la realidad que les tocó afrontar desde diferentes aristas. ¿Hasta que punto se es “hijo de”? ¿De qué manera una experiencia personal se convierte en la historia del país? ¿Cuántas versiones existen sobre un mismo hecho?

SOBRE LOS DIRECTORES

Sebastián Rubio

Egresado de la especialidad de Artes Escénicas de la PUCP. Ha llevado talleres con Carlos Cueva (LOT), Aristides Vargas, el Bread & Puppet de Vermont, el grupo Timbre 4 de Argentina y estudió en la escuela de danza “Andanzas” de la PUCP. Ha participado como actor en las obras “La Sombra” bajo la dirección de Guillermo Castrillón (2010), “Un día en la vida de Adriana Lima”, “Los Últimos días de Judas Iscariote” bajo la dirección de Juan Carlos Fisher (2011), “En la Jungla de las Ciudades” (2011) y “La Cocina” (2012) bajo la dirección de Gisela Cárdenas. Además, ha dirigido creaciones escénicas como “Colgados” (2009), “Bocana – Ofelia Project” (2009), y “Aulide – Apología de la Familia” (2011). También ha formado parte del elenco de las miniseries “Matadoras” (2010) y “La Perricholi” (2011) de América TV, la serie “Casas embrujadas” de Discovery Chanel, y de las películas “Cielo Oscuro” (2009) y “La Navaja de Don Juan” (2011).

Claudia Tangoa

Egresada de la especialidad de Artes Escénicas de la PUCP. Ha seguido talleres de Performance con Jill Greenhalhg, Rocío Solís y Carlos Cueva (LOT). Además, ha llevado talleres cortos y conferencias con Arístides Vargas, el Grupo Yuyachkani y El Odin Teatret. Ha participado como actriz en “Bocana – Ofelia Project” dirigido por Sebastián Rubio (2009) y “Aula Lot” dirigida por Carlos Cueva (2011). Ha trabajado como asistente de dirección de Gisela Cárdenas en “Medea” (2010), “En la Jungla de las Ciudades” (2011) y “La Cocina” (2012). Y ha codirigido las creaciones escénicas “Colgados” y “Aulide – Apología de la Familia” (2011).

DATOS DEL MONTAJE
Obra: “Proyecto 1980 2000, el tiempo que heredé”
Estreno: miércoles 5 de junio
Funciones: miércoles 5, 12, 19 y 26 de junio a las 8:00 p.m.
Lugar: Teatro del Centro Cultural PUCP (Av. Camino Real 1075, San Isidro)
Entrada general: S/. 30.00
Estudiantes y jubilados: S/. 20.00
Punto de venta: Taquilla del Centro Cultural PUCP los miércoles de junio de 2 a 9 p.m. Y en el tercer piso del edificio Tinkuy (campus PUCP) de 10:30 a.m. a 7:00 p.m. PREVENTA para grupos: proyecto19802000@gmail.com

Para mayor información comunicarse con Claudia Córdova al correo Proyecto19802000@gmail.com.

EL CUERPO
Del martes 28 de mayo al domingo 25 de agosto 2013

GALERÍA CCPUCP
“El arte tiene la bonita costumbre de echar a perder todas las teorías artísticas”.
Marcel Duchamp

El Centro Cultural de la Pontificia Universidad Católica del Perú, junto al BBVA Continental y Petrobras, se complacen en presentar la exposición ÍCONOS DEL VIDEO ARTE, EL CUERPO, colección de Teresa Sapey, bajo la curaduría de María Toral. Desde el martes 28 de mayo al domingo 25 de agosto del 2013 en la Galería del Centro Cultural PUCP (Av. Camino Real 1075, San Isidro). Una gran exposición que reúne a 16 destacados artistas internacionales de la escena contemporánea, quienes representan el cuerpo en diversas formas a través de historias e interacciones con otros y el entorno.

SOBRE EL VIDEO ARTE
El siglo XX es un siglo de rupturas en muchos aspectos, artísticamente la rapidez con la que avanza el mundo requiere cambios de pensamiento constantes. Los artistas son conscientes de ello y por eso no dejan de evolucionar. En su búsqueda por conectar con los nuevos gustos y las necesidades sociales, experimentaron con distintos soportes sin limitarse únicamente a los tradicionales como lo eran el dibujo, el óleo, la escultura o la fotografía. A mediados de los años sesenta surge el apogeo de la performance, de los vídeos, del arte conceptual y ¿qué mejor manera que conceptualizar el arte a través de un relato visual o audiovisual?.

El videoarte se proclama como una alternativa perfecta para el desarrollo de las inquietudes de los jóvenes artistas que, a través de este medio, pueden crear nuevas narrativas y formas de visualización que establecen una nueva relación entre el artista y el espectador. Este nuevo lenguaje implica una nueva comunicación más directa entre el creador, la obra y el espectador. Los parámetros del espacio y del tiempo surgen como un medio de interacción distinto. La riqueza del videoarte reside también en todas las posibilidades que ofrece: el artista puede realizar así sus performances y poder mostrarlas a un público mayoritario. El arte deja de ser estático y rompe los límites de la quietud, del lugar y del tiempo, desafiando la tradición y lo anteriormente establecido.

El videoarte se implanta en nuestros días como uno de los medios artísticos que están atravesando un mayor desarrollo y que permiten a los creadores lograr ser más multidisciplinares, evolucionando y evitando estancarse. Gracias a esto podemos incluso conocer a los artistas, es decir, durante años hemos visto autorretratos y era la única imagen para poder identificar a un artista.
María Toral – Curadora de la exposición

SOBRE LA MUESTRA
En esta muestra podremos disfrutar de obras de artistas internacionales que nos acercan desde un punto de vista concreto, el del cuerpo humano, a este medio artístico. Una ocasión única para que las personas puedan sumergirse en el mundo del videoarte a través de la colección de Teresa Sapey. Una colección hecha desde la pasión por el arte y que reúne obras de los artistas más destacados del panorama actual como Tony Oursler, Douglas Gordon, o Hussein Chalayan. El tema, el cuerpo humano, aparece representado de distintas formas. El crítico Maurice Raynal llego a declarar que los artistas “rehacen el cuerpo humano” y, sin duda, los vídeos de esta muestra son un claro ejemplo de tal afirmación. A veces sólo veremos porciones, como las manos, en otros momentos veremos cuerpos enteros, siluetas de hombres y mujeres, personas que interactúan en los videos… historias y visiones distintas pero que giran sobre un mismo ámbito de actuación. Así, se crea un nuevo imaginario del cuerpo a través de representaciones a veces extremas, como en la obra de Marina Abramovic, mientras que otros artistas nos muestran la corporalidad luchando contra arquetipos, como Candice Breitz, o, incluso, reivindicando los efectos del dolor, como en la pieza de A.K. Dolven.

OBRAS

A. K. Dolven
It could happen to you
Formato: dvd
Ed. 3/5

Esta artista nació en Oslo en 1953. Años más tarde se traslado a Berlín y a Lofoten (Norte de Noruega) donde vivió entre 1987 y 1996. Desde 1997 vive entre Lofoten y Londres. Cursó sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de Aix-en-Provence, en la Escuela Nacional de Bellas Artes de París, en la Academia de Bellas Artes de Oslo y finalmente en Berlín.
A lo largo de su carrera ha expuesto en numerosos museos y sus obras forman parte de colecciones internacionales como la del Museo de Arte de Filadelfia, el Museo de Arte Moderno y Fotografía de Berlín, el Museo de Arte Contemporáneo de Helsinki o el de Oslo.

Anthony Goicolea
Class Room

DVD
Ed. 6/6

Nacido en 1971 en Atlanta, está instalado en Nueva York. Este artista de origen cubano estudió en la Universidad de Georgia.En el año 2005 recibió el Premio BMW de fotografía. Sus obras forman parte de grandes colecciones y museos como el Museo de Indianápolis, el Whitney Museum of American Art, el MOMA y el Museo Guggenheim de Nueva York, o el Museo de Brooklyn.
Como artista polifacético realiza fotografías, videos, video- instalaciones o dibujos. En sus videos, el artista comienza a desarrollar narraciones que se vuelven cada vez más complejas en cuanto a la interacción entre los personajes y las escenas.

Candice Breitz
Becoming Cameron 2003

Fomat: DVD
Edition of 3

Nacida en Johannesburgo en 1972, actualmente reside en Berlín. Sus obras pueden verse en numerosas colecciones públicas como en el Museo Guggenheim de Nueva York, en el Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, en el Museo de Arte de Milwaukee, además una de sus obras fue adquirida por la Fundación ARCO. Entre las principales colecciones privadas en las que podemos encontrar sus trabajos destacan la Fundación de Arte Contemporáneo Thyssen-Bornemisza de Viena, la Colección Manilow de Chicago, la Pierre Huber de Ginebra o la Colección Sonnabend de Chicago.
A lo largo de su carrera ha expuesto, entre otros museos y fundaciones, en el Centro de Arte Contemporáneo de Ginebra y en el Nuevo Museo de Arte Contemporáneo de Nueva York.

Douglas Gordon
TS: The left hand doesn’t care what the right hand isn’t doing
The right hand doesn’t care what the left hand isn’t doing 2004

DVD & Digital-Beta Tape
Ed. 1/3

Gordon nació en Glasgow en 1966, donde estudió en la Escuela de Arte y posteriormente completó su formación en la Slade School of Fine Art de la Universidad de Londres. Forma parte de los llamados Young British Artists (YBAs).
Entre los premios que ha recibido a lo largo de su carrera destaca el Premio Turner (1996), un año después fue el elegido para representar al reino Unido en la Bienal de Venecia y en 1998 recibió el Premio Hugo Boss del Museo Guggenheim. Ha expuesto sus obras en distintos países y museos como en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA) o en la Galería Nacional de Escocia donde en el año 2006 tuvo lugar la exposición Douglas Gordon Superhumanatural.

Hussein Chalayan
Afterwords 2000

Ed 3/5

Chalayan nació en Nicosia en 1970 y se graduó del Instituto Türk Maarif Koleji de esa misma ciudad. Años más tarde se desplazó junto a su familia a Inglaterra donde estudió Diseño en Londres. Chalayan trabajó con la cantante vanguardista Bjork. Por su parte, la cantante modeló en el desfile de Chalayan durante la Semana de la Moda de Londres. En 1998, mientras aún diseñaba su colección insigne, fue contratado por la empresa neoyorquina TSE como asesor de diseño, cargo que ocupó hasta el 2001. Fue nombrado diseñador Británico del año en 1999 y en el 2000. En el año 2006 fue galardonado como Miembro de la Orden del Imperio Británico.

Dmitry Bulnygin
Tennis
Nace en 1965 en Novosibirsk (Siberia) donde se gradúa en el Instituto de Arquitectura. Desde el año 1988 trabaja con videos y multimedia, es a partir de 2001 cuando incluye en sus videos performances. En 1998, un fuego en su estudio destruye todos sus trabajos, incluyendo pinturas e instalaciones.
Forma parte del grupo de artistas “Blue Noses” y es el organizador del Festival de cortometrajes de Novosibirsk.Ha expuesto en el Museo de Bellas Artes de Ekaterinburg (Rusia), Novosibirisk, y participado en distintos festivales como el de Sydney (Australia) o el de Hamburgo y el de Oberhausen (Alemania), Madrid o Barcelona.

Marina Abromovic
Nude with the Skeleton 2002-2005

Ed 4/5
35mm PAL- DVD VIDEO

Marina Abramovic nace en Belgrado en 1946. Ya en 1976 la artista deja Yugoslavia y se marcha a Ámsterdam.Sus primeras performances fueron una forma de rebelarse contra su estricta educación y la cultura represiva del gobierno de posguerra de Tito. Muchas de las performances de Abramovic en estos 30 años han sido brutales y desconcertantes. Algunas de ellas concluyen sólo cuando alguien del público interviene. Sin duda con su trabajo logra explorar la relación entre el artista y la audiencia, los límites del cuerpo, y las posibilidades de la mente.Ha recorrido el mundo con sus obras y sus performances, la última la realizó en el MOMA de Nueva York que le dedicó una importante exposición retrospectiva.Ha creado la Fundación Marina Abramovic con el fin de preservar el arte de la performance (Marina Abramović Foundation for the Preservation of Performance Art).

Martín Sastre
MONTEVIDEO: The dark side of the Pop, 2004

Ed. 2/3

Este joven artista uruguayo nace en Montevideo en 1976. Sus trabajos van desde la fotografía, la escultura o el video hasta los largometrajes. Sin duda, es uno de los artistas latinos más representativos de su generación. En el 2002 recibe una beca para residir en Madrid donde realiza una de las obras referenciales del Arte Actual, la Trilogía Iberoamericana, una trilogía de vídeos formada por Videoart: The Iberoamerican Legend, Montevideo: The Dark Side of the Pop y Bolivia 3: Confederation Next. Un año más tarde crea The Martin Sastre Foundation for the Super Poor Art con el eslogan “Adopte un Artista Latino”, permitiendo que mecenas por Internet puedan apoyar artistas.
En el 2004 es galardonado en ARCO con el Primer Premio para Jóvenes Artistas de Madrid y años más tarde recibe el Premio de la Fundación Faena. Ha participado en la Bienal de Sao Paulo y en la de Venecia.

Michael Reese
Putto 2x2x4” 2004

Ed. 3/6

Este artista norteamericano estudió en el Vassar College desde 1976 a 1978. Para completar su formación acude a la Universidad de Yale donde recibirá clases junto a Vito Acconci o Frank Gehry, entre otros. Sus obras van desde la escultura o las instalaciones hasta la informática interactiva. Ha expuesto en numerosos museos como el Whitney Museum de Nueva York o el Museo Aldrich de Arte Contemporáneo en Ridgefield. Actualmente compagina su faceta de artista con la de profesor de escultura y de medios digitales en la Universidad William Paterson. También ha impartido clases en el Colegio Oberlin, en el Instituto de Arte de la Ciudad de Kansas, en la Universidad de San Louis, en el Instituto de Nueva York de Tecnología, y en la Universidad Rutgers.

Miguel Chevalier
“ Eve Dans le Jardin Virtuel”

Ed. 3/8

Nacido en 1959 en México, es un artista francés de arte digital y virtual. Desde 1978 se apoya en gran medida de las oportunidades que puede traer su computadora. Por lo tanto, se convierte en pionera en el ámbito del arte digital y por lo tanto será un referente internacional. En sus obras trata la pregunta que muchos de artificio y la naturaleza. Tenía numerosas exposiciones e instalaciones en Francia y en el extranjero como las naturalezas Ultra presentado en la estación de metro Paraíso en São Paulo (Brasil) como parte de la exposición 4.0 Emoção Art.ficial en el Centro Cultural Itaú (junio a septiembre 2008) y un líquido de píxeles Digital Festival des Bains en Enghien-les-Bains, Francia (junio de 2008).

Nathalie Djurberg
“The Rhinosaurus and the Whale”

Esta artista sueca nació en 1978 en Lysekil. Sus obras han sido exhibidas en museos como la Tate Modern de Londres, el Hammer Museum de Los Ángeles, en la Fundación Prada de Milán, en la Kunsthalle Winterthur de Suiza o en el Museo Guggenheim de Nueva York.
En el año 2008 recibió el Carnegie Art Award, una beca para artistas jóvenes. En la Bienal de Venecia de 2009 presentó un singular video Experiment por el que recibió el León de Plata. Actualmente vive y continúa realizando sus trabajos en la ciudad de Berlín. Djurberg es conocida por producir películas cortas que parecen ingenuas, pero son gráficamente violentas y eróticas. Sus películas están acompañadas por la música de Hans Berg.

Ruth Gómez Aragón
El Artista de la vida moderna” 2004

Ed. 3/5

La artista nace en Valladolid (España) en 1976. Las animaciones de Ruth Gómez tienen varios elementos en común, desde el modo en que concibe las figuras hasta el color que utiliza para ello, siempre dentro de la gama del rosa. Sus trabajos, de cariz autobiográfico, ofrecen una personal manera de entender el mundo. Ha participado en numerosas exposiciones y ferias de arte y sus obras forman parte de colecciones como las siguientes: Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, MUSAC, Instituto Leonés de Cultura, ILC, Colección de Arte Contemporáneo de la Fundación Coca-Cola, Museo de arte moderno y contemporáneo de Santander y Cantabria, Centro de Arte Contemporáneo del Ayuntamiento de Málaga, CAC, Cité Internationale Universitaire de Paris.

Sergio Prego
Anti 2005

Ed. 5/8

Nacido en Fuenterrabía (España) en 1969 reside, desde 1995, en Nueva York. Prego ha realizado exposiciones a nivel internacional entre las que destaca la reciente instalación Ikurrina Quarter, realizada expresamente para Art Unlimited en Art 41 Basilea. Otros lugares destacables en los que se han podido ver sus trabajos son el Palazzo delle Papesse Centro Arte Contemporánea di Siena, The Museum of Contemporary Art de Denver, PS1 de Nueva York y Guggenheim de Bilbao. En sus trabajos, Sergio Prego desestabiliza la noción de escultura-objeto, para él obsoleta. Sus obras presentan elementos que nos remiten a la ciencia ficción, pero la fascinación que producen en el espectador no se debe a efectos especiales al uso, sino a que nos incita a ver, imaginar y experimentar modos distintos de habitar y transitar el espacio y el tiempo.

Tony Oursler
Chaos 2004

DVD Betacam
Nació en Nueva York en 1957. En 1981 realizó su primera exposición individual titulada “Visiones de vídeo” en el MOMA y le valió la admiración de la crítica neoyorquina. El reconocimiento internacional le vino en 1986 de la mano de una exposición individual en el Centro de Arte Contemporáneo Georges Pompidou de París. Entre los principales certámenes internacionales en los que ha participado desde entonces cabe destacar el Festival Mundial de Vídeo de La Haya (1989), la Dokumenta IX de Kassel celebrada en el museo Fridecidiarium (1992), o la Bienal de Medios de Leipzig (1994). Otras performances y proyectos que ha realizado en solitario o en colaboración con su amigo Mike Kelley son Storys About Cars (1982, Colegio de Arte y Diseño de Minneapolis), X Catholic (1983, Beyond Baroque de Los Angeles), Fantastic Prayers (1995, Dia Center for the Arts de Nueva York), Performance: Oursler/de Jong (1996, Museo de Arte de Filadelfia) y Pink (1997, Bienal del Museo Whitney de Arte Americano de New York).

Zilla Leutenegger
Nostigels, 2003

Ed. 7/10

Esta artista suiza (Zurich, 1968) se formó en la escuela de negocios de Chur y posteriormente en la escuela de artes visuales de Zúrich.Muchos de sus trabajos giran en torno a recuerdos de infancia y vivencias propias, la soledad y la incomunicación, no como estados amenazadores sino como poéticos e íntimos, cualidades que la artista consigue realzar con desenfado. La artista realiza sus trabajos mayoritariamente en vídeo, en los cuales aparecen dibujos que anima posteriormente con el ordenador.

Mary Sue
Le Bilboquet, 2001

video

Mary Sue nace en 1979 y se gradua en  D.N.S.E.P. (Diplome National Superior d Expression Plastique)- Ecole Nationale Superieure de Beaux Art en Francia, donde vive y trabaja.
Su colaboración con Marco Noire Contemporary Art empieza en 2005 con la exposición de sus vídeos en Art Basel y en ARCO 2006.
Las instalaciones de video arte de este artista han sido ampliamente presentadas en Francia, Italia y en 2001 en XXIV J.V.C. Festival TokioArt & Design Gallery – Nagoya-Japón.

ÍCONOS DEL VIDEO ARTE, EL CUERPO
Desde el 28 de mayo al 25 de agosto del 2013
Galería Centro Cultural PUCP
Av. Camino Real 1075 San Isidro
Horario: de lunes a domingo de 10 am a 10 pm.
Ingreso libre

Fechas: Del 03 al 08 de Junio del 2013

Horario: De 16:00h a las 22h

Lugar: Sala Azul

Público: General.

Objetivo: Proyectar las principales obras del cine contemporáneo que tiene como principal protagonista al océano, sus habitantes y las relaciones, incluso peligrosas, que mantenemos con el mar en nuestras vidas.

“PLANET OCEAN”

Yann Arthus-Bertrand, 90 min.

Es producción francesa nos introduce en el más grande de los misterios de nuestro planeta: El planeta océano. Un equipo internacional de cineastas y camarógrafos se introducen en el mar para explorar el sobrecoger vínculo que existe entre la humanidad y el océano vivo.

“OCÉANOS”

Jacques Perrin, Jacques Cluzaud, 104 min.

Esta producción franco-sueca se filmó alrededor del mundo en los rincones más escondidos del océano. Parte triller, parte meditación, este drama ecológico-documental nos lleva a conocer las maravillas que se están perdiendo del mundo sub-acuático que muchos desconocemos.

“THE WHALE”

Michael Parfit, 85 min.

Producción canadiense que nos muestra la verdadera historia de la joven orca llamada “Luna”, quien trata de hacer amigos entre los humanos luego de quedar separada de su familia en las difíciles costas de la Isla de Vancouver, Canadá. Tan bulliciosa y sorprendente como un visitante de otro planeta, “Luna” se hace querer por los humanos en su determinación por hacer contacto, llevándonos a risas, conflictos y a consecuencias inesperadas. Este filme nos demuestra que la amistad es más grandes de lo que creemos.

“A FALL FROM FREEDOM”

Stanley M. Minasian, 80 min.

Película documental esfuerzo de años de investigación donde se muestra por primera vez de manera comprensible y reveladora, la larga y sórdida historia de los delfines y ballenas cautivas en el negocio del entretenimiento. Muchos de estos parques marinos y acuarios son directa e indirectamente responsables de la muerte de miles de los animales que utilizan para el entretenimiento del público, lo cual se revela como el más grave error de representación educativa: La sonrisa del delfín es la más grande mentira detrás del vidrio que lo contiene.

“THE COVE”

Louie Psihoyos, 92 min.

Utilizando equipo de última tecnología, un grupo de activistas dirigidos por el renombrado entrenador de delfines Ric O’Barry, se infiltran en la caleta de Taiji, Japón, para exponer al mundo las consecuencias del maltrato animal más abusivas que se conozcan así como el gran riesgo a la salud humana detrás de la captura y matanza de delfines.

“MINDS IN THE WATER”

Justin Krumb, 90 min.

5 años de realización: Esta es la historia de Dave “Rasta” Rastovich, surfista internacional y su viaje a proteger los delfines, las ballenas y el océano. Filmada en Australia, las islas Galápagos, Chile y Japón, este filme captura los momentos críticos en la vida de una persona cuando la apatía ya no es una opción frente al maltrato y captura de delfines, ballenas y demás especies que se encuentran amenazadas en océano.

“A SEA CHANGE”

Barbara Ettinger & Sven Huseby, 83min.

La vida de un deportista y educador retirado, Sven Huseby, se ve transformado cuando le llama la atención el artículo “El mar oscureciendo” sobre los efectos del excesivo dióxido de carbono en los océanos. Sven se embarca en una misión para aprender más, luchando contra la posibilidad de que su nieto de 5 años herede un océano privado de los peces que han significado tanto para su familia. Así, este filme revela la investigación sobre la acidificación del océano y las dramáticas implicancias sobre la cultura y economía de la humanidad.

“END OF THE LINE”

Rupert Murray, 82 min.

Documental del cineasta Rupert Murray que examina el devastador efecto de la sobrepesca sobre la población mundial de peces. El filme discute las acciones drásticas que deben ser tomadas para revertir estas tendencias, devastadoras tanto para las especies marinas como para la humanidad.

En el marco del 17 Festival de Cine de Lima, el cual se realizará del 9 al 17 de agosto del 2013, la Muestra de Cine Itinerante convoca a producciones nacionales e internacionales de largo o cortometraje de ficción, documental o animación, en cualquier idioma, siempre que cuente con subtítulos en castellano, realizadas en los últimos dos años (2012 – 2013) a participar de nuestra sección no competitiva ZONA DE TRÁNSITO.

La convocatoria es de temática libre, sin embargo buscamos propuestas que reflejen cambios en la vida de sus personajes, autores, sociedades, condiciones ambientales, procesos histórico-sociales, etc.

La exhibición de las producciones seleccionadas será no comercial, en formato digital, en una selección de salas y centros culturales importantes de la ciudad de Lima y otras ciudades del Perú en el marco del Festival.

Requisitos:

• Enviar los trabajos hasta el viernes 20 de junio del 2013.
• Enviar cuatro (4) copias del trabajo en DVD, debe adjuntar un CD con la ficha de participación. Asimismo, se debe enviar la ficha de participación impresa.
• Todo este material debe ser enviado en un sobre a nombre de Ana María Teruel, Coordinadora de Cine del Festival de Lima; Centro Cultural de la Pontificia Universidad Católica del Perú (Av. Camino Real 1075, San Isidro) en el horario de atención de recepción.
• Si la información no está completa (Ficha de participación), no se tomará en cuenta el trabajo.
• Los trabajos serán seleccionados y se informará de manera oportuna.

Agradecemos su participación.

17 Festival de Cine de Lima.

El segundo NATURALEZAS, CIUDADES E HISTORIA: EL CINE DE JIA ZHANG KE, dedicado al realizador chino de la Sexta Generación, quien aporta otro tipo de argumentación en su obra y se acerca más a la problemática social en un estilo fresco y de ideas renovadoras al cine de su país. Siete de sus nueve largometrajes componen la retrospectiva: Xiao Wu (1997), Platform (Zhantai, 2000), Placeres desconocidos (Ren xiao yao, 2002), El mundo (Shijie, 2004), Naturaleza muerta (Sanxia haoren, 2006), que ganó el León de Oro en el Festival de Venecia, Ciudad 24 (Er shi si cheng ji, 2008) e Historias de Shanghai (Hai shang chuan qi, 2010).

Le sigue NUEVOS VIENTOS EN EL CINE DE RUSIA organizado conjuntamente con la Embajada de Rusia. La muestra compuesta por diez películas, cuatro de ellas dirigidas por Nikita Michalkov, la ganadora del Oscar a la mejor película extranjera Sol ardiente / Quemado por el sol (Outomlionnie solnstem, 1994) y su continuación Exhaustos por el sol 2 (Utomlyonnye solntsem 2, 2010), El barbero de Siberia (Sibirskij tsiryulnik, 1999) y 12 (2007); de Boris Khlebnikov y Aleksei Popogrebsky Caminos a Koktebel (Koktebel, 2003), los biopic El Almirante (Admiral Kolchak, 2008) de Andrey Kravchuk y Mongol (2007) de Sergei Bodrov, Fausto (2011) del innovador Aleksandr Sokúrov, Elena (2011) de Andrey Zvyagintsev, premio del Jurado de la sección “Una cierta mirada” en el Festival de Cannes. La primera producción de fantasía rusa de gran presupuesto, una de las más taquilleras y de distribución a nivel mundial por la Fox, Guardianes de la noche (Nochnoy dozor, 2004) de Timur Bekmambetov. 1612 (2007) de Vladimir Khotinenko, cinta producida por Nikita Mikhalkov.

Correspondiendo a las iniciativas presentadas en el proyecto Políticas en Justicia Transicional: A diez años de la Comisión de la Verdad y Reconciliación del Perú, cierra el mes LA MEMORIA PERSISTENTE, muestra organizada conjuntamente con el Instituto de Democracia y Derechos Humanos – IDEHPUCP y la colaboración de Cineteca Nacional de Chile. Muestra, de ingreso libre, los días lunes 24 y martes 25, concluyendo con los comentarios de un panel de especialistas en el tema.

La Filmoteca continúa en Julio con la proyección de una nueva restauración Taita Cristo (1967), película peruana dirigida por Guillermo Fernández Jurado y producida por Vlado Radovich. La muestra BUSCANDO JUSTICIA en homenaje a los 50 años del estreno de la notable película de Robert Mulligan Matar a un ruiseñor. Continuamos con otro homenaje a: Antonio Griffo Focas Flavio Dicas Commeno Porfirogenito Gagliardi De Curtis de Bizancio, alteza imperial, conde palatino, caballero del Sacro Romano Imperio, exarca de Rávena, duque de Macedonia y de Iliria, príncipe de Constantinopla, de Sicilia, de Tessaglia, de Ponte de Moldavia, de Dardania y del Peloponeso, conde de Chipre y de Epiro, y conde-duque de Drivasto y de Durazzo. Para todos, sólo TOTÒ, gran cómico italiano de profesión.

Finaliza con la séptima versión de FilmoCorto – Festival de Cortometrajes de Lima, del 6 al 8 de agosto.

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FERNANDO HA VUELTO de Silvio Caiozzi. Chile, 1998. Gran Coral en el Festival Latinoamericano de La Habana. 31 min.

Impacta por su temática y por su sobrio pero conmovedor tratamiento de una dolorosa verdad: la recuperación de los restos de Fernando Olivares, detenido-desaparecido durante la dictadura militar chilena. 25 años después, las profesionales a cargo de la identificación de su cuerpo entre las muchas víctimas anónimas sepultadas en el infame Patio 29, explican a su viuda los golpes torturas y disparos que causaron su muerte antes de hacer entrega oficial de sus restos a la familia. Proyección lunes 24: 4 p.m.

CIERTOS VACIOS de Humberto Saco. Perú, 2004. Pemio a mejor investigación, guión y cortometraje en la 1ra. Bienal de Cine y Video de Lima. Premio CONACINE en el Concurso de Obras Perunas. 20 min.

Una mirada interior en la vida de tres huerfanos producto de la acciones terroristas de Sendero Luminoso y la represión militar en el Perú. Como ellos muchos huerfanos viven las secuelas psicosociales de la violencia que afecta de manera determinante sus vidas. Proyección lunes 24: 4 p.m.

ESTADO DE MIEDO – State of Fear de Pamela Yates. EE UU-Perú, 2005. Documental. Premio a mejor documental en el Festival Human Rights Watch de Londres. Premio de la crítica en el Festival de Chicago. Premio del público en Festival Anmistía Internacional. 94 min.

Narra los orígenes y, al mismo tiempo, causas de la aparición de la banda terrorista maoísta Sendero Luminoso. El documental trata de ahondar en la lógica de la violencia desencadenada por la organización terrorista y, de igual modo, analiza la respuesta dada por las fuerzas armadas de Perú. Uno de sus objetivos fundamentales es comprender las consecuencias de este enfrentamiento, con la conclusión de que los principales perjudicados fueron los pobladores de la zona andina. Quizás su principal valor resida en el intento por mostrar percepciones en torno al conflicto desde muy distintos puntos de vista: el campesino, el urbano, el de los propios senderistas y el de miembros de las fuerzas armadas. El documental muestra también, el trabajo realizado por la Comisión de la Verdad en Perú, que investigó exhaustivamente las violaciones de derechos humanos ocurridas durante los años 80 y 90. Proyección martes 25: 6 p.m.

LA SIERRA de Scott Dalton, Margarita Martínez. Colombia-EE UU, 2005. Gran Premio del Jurado en el Festival de Miami. 84 min.

Scott Dalton y la periodista colombiana Margarita Martínez Escallón, describen por medio de este documental la situación de los jóvenes colombianos afectados por el conflicto, específicamente los que viven en el barrio La Sierra de Medellín. La cinta gira alrededor de las figuras de Edison (22 años), Jesús (19 años) y Cielo de (17 Años, viuda a los 15), jóvenes del lugar cuyas vidas han sido afectadas por la sociedad y las políticas extremas sin resolver. Convertidos en soldados sin orientación militar e ideológica, desde varios años atrás luchan por el vecindario, responden al grupo llamado Bloque Metro de las Autodefensas Unidas de Colombia (AUC), que combatió por el control del territorio contra bandas, milicianos, paramilitares y agentes del Estado. Proyección martes 25: 4 p.m.

BUENAS NOCHES, Y BUENA SUERTE – Good Night, and Good Luck de George Clooney. EE UU, 2005. Con David Strathaim, George Clooney, Robert Downey Jr. Premio a mejor guion, mejor actor y FIPRESCI en el Festival de Venecia. Seis nominaciones al Oscar incluyendo a mejor película, guion y fotografía. 90 min.

El relato se ubica en la década del cincuenta. Pone en escena un conflicto real: el que enfrentó al pionero de las noticias en televisión Edward R. Murrow con el Senador Joseph McCarthy y el Comité de Actividades Antiamericanas. Con el firme propósito de comunicar los hechos y mantener informado al público, el emprendedor Murrow y su dedicado equipo encabezado por el productor Fred Friendly y Joe Wershba, desde la sala de noticias de la CBS, desafían las presiones corporativas y económicas para poder examinar las mentiras y tácticas alarmistas perpetradas por McCarthy durante su “caza de brujas” anticomunista. Un verdadero enfrentamiento público estalla cuando el Senador responde con acusaciones políticas. En este clima de tensión y represalia, el equipo de la CBS continúa indiferente y su tenacidad finalmente valió la pena cuando el mismísimo McCarthy tuvo que presentarse ante el Senado y fue desposeído de poder una vez que sus mentiras y abusos quedaron al descubierto. Aun así, Murrow y su equipo han pagado un alto precio por su valentía. Su legado, sin embargo, permanece intacto y señala el camino para lo mejor del periodismo contemporáneo. Proyección lunes 24: 6 p.m.

EL ABOGADO DEL TERROR – L’avocat de la terreur de Barbet Schroeder. Francia, 2007. Premio César a mejor documental. 135 min.

Un documental sobre Jacques Vergès, un intento por saber quién es y qué es lo que impulsa a este abogado, aunque la respuesta parece no ser otra que, el tratarse de un hombre con ideales que le permiten justificar cualquier acto, pero sobre todo, un individuo sediento de gloria, con un gran ego y un gran talento para seducir y manipular a las personas.

Vergès a defendido a personajes como Anis Naccache, Carlos el Chacal, al teniente nazi Klaus Barbie, es también la puerta hacia “personajes” como Pol Pot, Mao Tse Tung, Slobodan Milosevic, Saddam Hussein, a quienes ha tratado o defendido como simples clientes o como amigos. Proyección lunes 24: 8.15 p.m.

SOL ARDIENTE / QUEMADO POR EL SOL – Outomlionnie solnstem de Nikita Mikhalkov. Rusia, 1994. Con Oleg Menshikov, Nikita Mikhalkov, Ganadora del Oscar a mejor película extranjera. Gran Premio del Jurado y Premio del Jurado Ecuménico en el Festival de Cannes. 135 min.

El retrato de una prominente familia destruida por el régimen de Stalin en el verano de 1936. Mihalkov encarna a un oficial del Ejército Rojo que se rencuentra con una mujer que conoció diez años atrás. El histórico Coronel Kosta, pasa un agradable fin de semana veraniego con su familia en una Unión Soviética que ama, cuando llega de visita el primo de la mujer de ascendencia noble pero que ha sabido ponerse al servicio de la revolución… o no. Proyección lunes 17: 3.30 p.m.

EL BARBERO DE SIBERIA – Sibirskij tsiryulnik de Nikita Mikhalkov. Rusia, 1999. Con Julia Ormond, Oleg Menshikov, Richard Harris, Nikita Mikhalkov, Vladimir Ilin. Premio a mejor actor del Gremio Ruso de Críticos de Cine (V. Ilin). 179 min.

Historia narrada en dos tiempos. Uno en 1905, donde unas cartas y la formación militar de un joven en Estados Unidos sirven de hilo conductor del otro, el predominante. La Rusia de 1885, donde un grupo de cadetes se forma en una academia militar. Andrei Tolstoi, uno de ellos, se enamora de Jane Callahan, una joven norteamericana a la que conoce casualmente en un tren. El motivo de su presencia en Rusia es ayudar a su padre (un excéntrico inventor), a vender al ejército su última creación, a la que ha bautizado con el extravagante nombre de “El barbero de Siberia”. Proyección martes 18: 4 p.m.

CAMINOS A KOKTEBEL – Koktebel de Boris Khlebnikov, Aleksei Popogrebsky. Rusia, 2003. Gleb Puskepalis, Igor Chernevich, Evgeniy Sytyy. Gran Premio del Jurado y premio a mejor actor (G. Puskepalis) en el Festival de Cinemanila. Premio a dirección en el Festival Karlovy Vary. Gran Premio del Jurado en el Festival de Moscú. Premio a la mejor dirección en el Festival de Wiesbaden. 105 min.

Tras la muerte de su esposa, un ingeniero en aerodinámica desempleado parte desde Moscú con su hijo de once años de edad, rumbo a la casa de su hermana en Koktebel, una ciudad ubicada en Crimea junto al Mar Negro. Para el padre, el viaje es un intento de restaurar el respeto por sí mismo y recuperar la confianza de su hijo. Para el chico, la mítica ciudad costera guarda la llave hacia una nueva vida y hacia la emancipación. Camino a Koktebel, es la historia de su viaje, tanto literal como metafóricamente. Proyecciones lunes 17: 6 p.m. y sábado 22: 4 p.m.

12 de Nikita Mikhalkov. Rusia, 2007. Con Sergei Makovetsky, Sergey Garmash, Aleksei Petrenko, Nikita Mikhalkov. Nominada al Oscar a mejor película de habla no inglesa. Premio del Público en el Festival de Karlovy Vary. Nominada al León de Oro en el Festival de Venecia. 153 min.

Doce personajes. 12 verdades. Ésta es la historia de 12 miembros de un jurado que debe decidir si un chico checheno de 18 años es culpable del homicidio de su padrastro, un oficial del ejército ruso. La película es una reflexión de la vida actual, sobre la necesidad de escuchar al familiar allegado y prestarle ayuda antes de que sea demasiado tarde. Proyecciones lunes 17: 8.15 p.m.

EL ALMIRANTE – Admiral Kolchak de Andrey Kravchuk. Rusia, 2008. Konstantin Khabensky, Liza Boyarskaya, Sergi Bezrukov, Anna Kovalchuk. Oso de Cristal y Premio del Jurado Joven en el Festival de Berlín. Premio del Público en el Festival Ale Kino. Premio a mejor filmé internacional en el Festival de Zurich. 118 min.

El almirante de la armada Aleksandr Vasiliyevich Kolchak, fue exiliado de Rusia tras la revolución de Octubre. Poco después regresó para liderar el Ejército Blanco y combatir a las fuerzas bolcheviques que habían tomado el control a través de su gobierno provisional. El biopic de Andrey Kravchuk presenta una combinación de escenas navales de gran espectacularidad y referencias históricas, y su propia lucha sentimental. Casado y con un hijo, pero enamorado de la esposa de un oficial. Una de las producciones de mayor presupuesto hechas en Rusia en los últimos años. Proyecciones miércoles 19: 6 p.m. y viernes 21: 3.30 p.m.

MONGOL de Sergei Bodrov. Rusia Mongolia, 2007. Con Aliya, Tadanobu Asano, Tegen Ao, Honglei Sun. Candidata al Oscar a mejor película de habla no inglesa. Premio del Cine Asiático de mejor actor (H. Sun). Premio Nika mejor película, dirección, producción y sonido. Premio a mejor película de habla no inglesa por National Board of Review, la Asociación de Críticos de Las Vegas. 120 min.

Mongol es un biopic que recoge la vida de Temudgin desde su infancia, en la que escoge a la que será su esposa y fiel consejera Borte, hasta su proclamación como Khan de los mongoles tras vencer a su hermano de sangre, Jamukha. Bodrov imprime en su cinta una factura intachable e impecable en su manejo del medio cinematográfico. Sólo la batalla que culmina la película, aquella entre las tropas de Temudgin y las de su enemigo, muy superiores en número, es motivo suficiente para asistir a un filme de proporciones inmensas, donde toda la grandeza del cine se pone al servicio de la historia. Proyecciones miércoles 19: 3.45 p.m. y sábado 22: 6 p.m.

EXHAUSTOS POR EL SOL 2 – Utomlyonnye solntsem 2 de Nikita Mikhalkov. Rusia, 2010. Con Nikita Mikhalkov, Yevgeny Mironov, Oleg Menshikov. Nominada a la Palma de Oro en el Festival de Cannes. Premio Nika a mejor actor (Y. Mironov) en Moscú. 150 min.

Año 1941. Ha pasado un lustro desde que el destino del general Kotov y su familia cambiaran de forma irreversible. Continuación de “Quemado por el Sol” (Outomlionnie solnstem, 1994). Esta secuela es la producción más cara de la historia del cine ruso. Proyecciones miércoles 19: 8.15 p.m. y viernes 21: 5.30 p.m.

FAUSTO – Faust de Alexander Sokurov. Rusia, 2011. Con Johannes Zeiler, Anton Adasinski, Isolda Dychauk. Premio León de Oro en el Festival de Venecia. Premio a la mejor producción en el Festival de Gijón. 141 min.

Magnífica adaptación libre de la obra de Goethe, donde se describe -como si se tratara de un horrible sueño-, el camino descendente de un hombre que busca el significado de la existencia en medio de una sociedad corrompida y lujuriosa. Fausto es la cuarta parte de la tetralogía integrada por: Moloch (1999), Taurus (2000) y El sol (2004), muestra a un Fausto de carne y hueso, un hombre desesperado, lleno de dudas y temores, insatisfecho, sediento de respuestas sobre la condición humana, que cede su alma a cambio de la promesa de un conocimiento ilimitado y todo tipo de placeres mundanos. (Moloch, se exhibió el año pasado en la muestra dedicada a Las influencias de Tarkovki en el cine mundial). Proyecciones jueves 20: 8.15 p.m. y sábado 22: 8.15 p.m.

ELENA de Andrey Zvyagintsev. Rusia, 2011. Con Andrey Smirnov, Nadezdha Markina, Elena Lyadova, Alexey Rozin. Premio del Jurado de la sección “Una cierta mirada” en el Festival de Cannes. Premio a mejor actriz en el Festival Europeo de Sevilla. Premio a mejor dirección en el Festival de Durban. Premios Asia Pacífico a mejor dirección y actriz (N. Markina). 109 min.

Vladimir es un hombre rico y frío, Elena es una mujer modesta y dócil, están casados y cada uno tiene un hijo de un matrimonio anterior; pero no forman una familia. Cuando surge un problema económico en la familiar de ella, el marido subraya los límites de la relación de manera fría y aconseja a Elena que sea más severa. Ella pone entonces sobre la mesa la relación de Vladimir con su hija y éste zanja el asunto negándose a discutir. Pero la preocupación sigue ahí… El cineasta ruso muestra lo esencial, el descarnado y certero retrato de las relaciones humanas y familiares y de cómo el dinero lo cambia todo. Una película de formidable labor de creación de personajes, de exquisita puesta en escena, apoyada por un impecable trabajo de fotografía y acompañamiento musical, y la lucidez en la exposición del amplio abanico temático convierten el film en una experiencia fascinante. Proyecciones viernes 21: 8.15 p.m. y domingo 23: 4 p.m.

GUARDIANES DE NOCHE – Nochnoy dozor de Timur Bekmambetov. Rusia, 2004. Konstantin Khabensky, Vladimir Menshov, Valery Zolotukhin, María Poroshina. Premio a mejor dirección en el Festival de Cine Fantástico de Bruselas. Premio del Cine Ruso a mejor sonido. 115 min.

Una película de culto, de terror fantástico, primera parte de una bilogía seguida por Guardianes de día y basada en la novela homónima de Sergéi Lukánenko. Al caer la noche, las fuerzas de la oscuridad combaten a los “Otros”, sobrehumanos, Guardianes de la Noche, cuya misión es patrullar y proteger a la humanidad, manteniendo la calma. Pero existe un temor constante de que una antigua profecía se convierta en realidad: que un poderoso “Otro” aparezca, sea tentado por uno de los lados y se incline la balanza, haciendo que se desate una guerra entre la luz y la oscuridad, cuyos resultados pueden ser catastróficos. Proyecciones jueves 20: 6 p.m. y domingo 23: 6 p.m.

1612 – 1612: Khroniki smutnogo vremeni de Vladimir Khotinenko. Rusia, 2007. Con Pyotr Kislov, Artur Smolyaninov, Michal Zebrowski. 135 min.

1612 es una película histórico-fantástica sobre el Período Tumultuoso y la guerra Polaco-Moscovita (1605-1618), cinta producida por Nikita Mikhalkov. Tras la muerte del Zar Boris Godunov, su viuda y su joven heredero, Fedor, son asesinados. El usurpador, False Dimitry, sube al trono. Pero un año más tarde, él también es asesinado. El poder pasa de una persona a otra y el caos reina en Rusia. El único testigo del asesinato de la familia del Zar fue el joven criado Andrey. La masacre del verdadero soberano está grabada en su memoria, pero lo que él es incapaz de olvidar es a la hija de Boris Godunov. ¿Está viva la hija del Zar? Si es así, ¿Dónde está ella ahora? Proyecciones jueves 20: 3.45 p.m. y domingo 23: 8.15 p.m.

Jia Zhang ke nació en Fanyang, en la provincia de Shanxi. Se licenció en la Academia de Cine de Pekín, era un perfecto desconocido hasta que en 1997 ganó el premio al mejor corto con Xiao Shan va a casa (Xiaoshan hui jia) en el Festival Independiente de Cortos y Vídeos de Hong Kong, gracias al cual pudo realizar su primer largo en ese mismo año, Xiao Wu, que en tono pesimista y con aires de realismo cuenta las vicisitudes de un carterista de provincias. Zhang ke intentó captar los masivos cambios que habían ocurrido en su tierra natal en pocos años y a la vez mostrar su rechazo a la tendencia de la Quinta Generación por abandonar la realidad del país y orientarse más a la leyenda histórica.

Zhang ke capitalizó el éxito obtenido, el 2000 realizó una de sus más destacadas obras, Platform (Zhantai), en el 2001 el corto Gong gong chang suo, el 2002 Placeres desconocidos (Ren xiao yao), el 2004 El mundo (Shijie), en la que trata de mostrar el vacío que provoca la globalización en el escenario de un parque de atracciones internacional, el 2006 Naturaleza muerta (Sanxia haoren), que ganó el León de Oro en el Festival de Venecia y considerada por la crítica internacional como “excepcional”, también los documentales Dong (2006) y Wuyong (2007), el 2008 Ciudad 24 (Er shi si cheng ji) y el corto Heshang aiqing, en el 2010 Historias de Shanghai. Ha participado en dos trabajos colectivos internacionales Stories on Human Rights (2008) y 3.11 A Sense of Home Films (2012), este año estrenó Tian zhu ding.

Jia Zhang ke: “Yo y otros directores de la Sexta Generación experimentamos poco a poco el proceso de reforma y apertura de los años ochenta y caminamos juntos a una época de mayor libertad. En este tiempo, vimos la transición hacia una economía de mercado (…) Anteriormente el cine en China era una herramienta de propaganda del país, ahora está reconocido como una industria. Para los directores de la Sexta Generación supuso tener la oportunidad de rodar filmes que no fueran underground. Así, el 2004 pude estrenar mi primera película en cines de China, El mundo, más tarde Naturaleza muerta, hasta la última. (…) Para los directores de la Sexta Generación nuestra base de trabajo está en el rápido desarrollo de China, es nuestra característica común y ese desarrollo se refleja en nuestras obras, estamos muy interesados en la situación actual”.

Jia Zhang ke fue quien muy tempranamente condujo el cine chino de la Sexta Generación hacia el escenario internacional.

XIAO WU de Jia Zhang ke. China, 1997. Con Hong Wei Wang, Hao Hongjian, Zuo Baiato. Premio Netpac y Wolfgang Staudte en el Festival de Berlín. Premio a mejor película en los Festivales de Nantes, Pusan, San Francisco y Vancouver. 105 min.

Xiao Wu, joven ratero que perpetra sus hurtos en la pequeña población rural de Fenyang, China, ve como el mundo de su juventud toca a su fin: las autoridades locales han endurecido las sanciones para los delitos de delincuencia callejera; su mejor amigo, y compañero de aventuras, Xiao Yong, no lo ha invitado a su boda y se dedica ahora a operaciones de contrabando de altos vuelos. Tan sólo la presencia de la joven Mei Mei, parece ofrecer un poco de luz en tan lúgubre panorama.

Xiao Wu es una intensa película de formación, que rodó en 16 mm. cuando era estudiante, inspirada en Pickpocket de Bresson, y que Jia Zhang ke trasladó muy libremente a las condiciones chinas. Con elementos de un neorrealismo actualizado y con una elaboración conceptual notable de los elementos narrativos, Xiao Wu es un documento excepcional sobre las reformas económicas y el tránsito entre la sociedad tradicional, el totalitarismo y el mercantilismo. Proyección viernes 14: 4 p.m.

PLATFORM – Zhantai de Jia Zhang ke. China, 2000. Con Hong Wei Wang, Tao Zhao, Jing Dong Liang. Premio a mejor película en el BAFICI. Premio Don Quijote y FIPRESCI en el Festival de Fribourgo. Premio a mejor película en los Festivales de Nantes y Singapur. 155 min.

Un grupo de teatro aficionado debe hacer frente a los cambios provocados por las reformas económicas y culturales introducidas en China durante la década de los años ochenta. El nuevo modelo llevará a la privatización de la compañía y su reconversión en una extraña banda de Disco-Rock. Dos parejas de jóvenes forman parte de la frustrada troupe. Incapaces de comunicarse sentimentalmente, intentan articular una vida incierta, atrapada entre las promesas de la modernización económica y el peso de la tradición y la ideología.

Platform es una cinta notable en la que su autor suministra las dosis exactas de conciencia analítica sobre un tiempo pasado que le atañe, a los propósitos de neutralizar cualquier posibilidad de nostalgia. Zhan ke despoja de añoranza el recuerdo privado utilizando sistemáticamente el plano fijo de larga duración para construir un relato simple, potable, testimonial. Proyección viernes 14: 8.15 p.m.

PLACERES DESCONOCIDOS – Ren xiao yao de Jia Zhang ke. China, 2002. Con Wei Wei Zhao, Qiong Wu, Tao Zhao. Nominada a la Palma de Oro en el Festival de Cannes. Premio FIPRESCI y Mención Especial en el Festival de Singapur. 113 min.

En la ciudad industrial de Datong, China, dos amigos desempleados, Xiao Ji y Bin Bin, pasan el rato fumando y paseando en moto. El impulsivo Xiao Ji pronto se enamorará de Qiao Qiao, bailarina de los Licores Rey Mongol y novia de un mafioso local; Bin Bin, presionado por su madre para que se enrole en el ejército, ve como su novia Yuan Yuan planea irse a estudiar a la capital. En un mundo cada vez más cambiante y donde sólo la música parece prometer un futuro mejor, los dos amigos, incapaces de afianzar sus relaciones sentimentales y su lugar en el mundo, tomarán una decisión drástica.

Placeres desconocidos es una vuelta de tuerca de Xiao Wu y un reto tras la formidable Platform. En ella nuevamente están presentes el desarraigo, la transformación social, la mercantilización y los equilibrios entre la sociedad tradicional y la occidentalización. Pero, también, la aspiración del individuo por ser el mismo, el intento incierto de sobrevivir y de dar un sentido a la vida mientras permanece prisionero de un entorno social dislocado. Proyección domingo 16: 3:30 p.m.

EL MUNDO – Shijie de Jia Zhang ke. China, 2004. Con Zhao Tao, Chen Tai-sheng, Jing Jue Jiang. Premio a mejor película en los Festivales de Toronto y Las Palmas. Premio de la Crítica en el Festival de Sao Paulo. Premio Lotus a mejor guion en el Festival Deauville de Asia. 143 min.

Jia Zhang ke es uno de los directores más representativos de la denominada “sexta generación” del cine chino. El mundo su cuarto largometraje gira alrededor de Tao, cantante del Beijing World Park, y su novio Tai-Sheng, quien se ocupa de la seguridad del parque temático. Pero los enamorados empiezan a distanciarse cuando otros personajes también ejercen su poder de seducción.

La cinta está ambientada en el parque temático World Park de Beijing, que recrea monumentos turísticos de cualquier lugar del mundo. Es un espacio falso, descontextualizado, en el que se muestra a los individuos, los seres reales, sobreviviendo en un espacio irreal, metáfora de la destrucción de las identidades por la modernización capitalista. El mundo provinciano en transformación de sus películas anteriores es ahora un falso lugar universal, el de una mercantilización que crea el medio en el cual sus protagonistas intentan desarrollar sus propias vidas. Proyecciones jueves 13: 8.15 p.m. y domingo 16: 5.45 p.m.

NATURALEZA MUERTA – Sanxia haoren de Jia Zhang ke. China, 2006. Con Tao Zhao, Sanming Han. León de Oro a mejor película en el Festival de Venecia. Mejor película extranjera y fotografía por la Asociación de Críticos de Los Ángeles. Premios Asia Pacífico a mejor director. Mejor Película por la Asociación de Críticos de Sajnghai. Premio a la mejor película extranjera en Mainichi. Premio Kinema a mejor película y director. 108 min.

Tras la construcción de la presa de las Tres Gargantas la aldea de Fengjie fue inundada y sus habitantes realojados en un nuevo emplazamiento. El minero Han Sanming regresa a Fengjie, después de 16 años de ausencia, a buscar a su mujer. También la enfermera Shen Hong busca en la aldea a su marido.

Jian Zhang ke muestra dos historia desvinculadas entre sí pero que, en cierta manera, se complementan y sirven para afinar el retrato de un país que vive el presente con planeamiento de futuro en constante edificación. No sería el excelente filme que es, si su director no hubiera sabido transmitir el vacío que sienten los personajes al caminar por Fengjie, visualizando su pasado, observando los escombros de edificios y calles que antaño poblaron. Emplazando a la sensación de desapego de la realidad que sufren los personajes, a la desorientación que les supone enfrentarse a un lugar y a un tiempo que forjaron sus identidades y que ahora ya no existe. Proyecciones viernes 14: 6 p.m. y sábado 15: 8.15 p.m.

CIUDAD 24 – Er shi si cheng ji de Jia Zhang ke. China, 2008. Con Joan Chen, Lu Liping, Zhao Tao, Chen Jianbin. Nominado a la Palma de Oro en el Festival de Cannes. Nominada a los Premios de Asia a mejor cinematografía y mejor música. 112 min.

Este “falso documental” muestra la conversión de un barrio industrial pensado para producir insumos y reparar material de guerra, en un sector residencial. Considerando todo lo que esto implica, desde el cambio cultural, la forma en que se relaciona con el resto de la ciudad y los recuerdos de la forma de vida de este enclave industrial que marcó la vida de sus habitantes, hoy resignados a recordar lo que fue un estilo de vida utópico cuya realización era a través del trabajo como único medio.

Documental, ficción, simbolismo, realidad social… la obra de Jia Zhang-ke no puede dejar impasible a un espectador porque Zhang-ke lo introduce en un mundo hiperreal, casi incompatible con un relato de ficción, y a raíz de ello, elabora sus tesis en forma de obras cinematográficas. Con Ciudad 24 se acerca a un techo creativo, con una película profunda sobre el ser humano, sus recuerdos y sus pensamientos en torno a un lugar común.

Zhangke realiza una vez más una cinta que es una metáfora de las transformaciones urbanas de su propio país, pero además es un poema a la vida urbana ligada a un momento y lugar concreto (en este caso la fábrica 420), en su proceso de modernización urbana se lleva por delante recuerdos y momentos de la historia China, como si se intentara reconstruir a si misma. Proyecciones sábado 15: 4 p.m. y domingo 16: 8.15 p.m.

HISTORIAS DE SHANGHAI – Hai shang chuan qi de Jia Zhang ke. China, 2010. Con Yindi Cao, Hsin-I Chang, Dan-qing Chen. Sección Oficial “Una cierta mirada” en el Festival de Cannes. Premio Mejor Documental en los Festivales de Dubai y Hawaii. 125 min.

A Shanghai, una metrópoli en rápida evolución, una ciudad de intensa actividad portuaria, llegan todo tipo de personas: revolucionarios, capitalistas, políticos, soldados, artistas y mafiosos. También ha visto revoluciones, asesinatos e historias de amor. Después de la victoria de 1949, miles de habitantes de la ciudad marcharon a Hong Kong y Taiwán. Irse significaba el abandono de sus hogares, la separación de sus familiares; pero quedarse significaba sufrir las consecuencias.

Un documental con un discurso narrativo extraordinariamente complejo y una planificación no de reportero sino de poeta. Dieciocho (18) personas de Shanghai, Taipei y Hong Kong recuerdan su vida en la ciudad portuaria. Sus testimonios, narrados como los dieciocho capítulos de una novela, reconstruyen la historia de esta ciudad desde 1930 hasta 2010. La cinta de Jia Zhang-Ke tuvo una excelente acogida de parte del público y la crítica en el Festival de Cannes. Proyección sábado 15: 6 p.m.

JAIL BREAK – A cavallo della tigre de Carlo Mazzacurati. Italia, 2002. Con Fabrizio Bentivoglio, Tuncel Kurtiz, Paola Cortellesi. 98 min.

Guido vive en Milán, se dedica a trabajos menores y está lleno de deudas. Para resolver su precaria situación económica, planea un asalto en el que involucra a su novia Antonella. Los dos combinan robar 190,000 dólares, pero el plan fracasa y Guido es enviado a prisión. Durante su estancia en la cárcel, Guido se convierte en el blanco de un convicto turco conocido entre los prisioneros sólo como “Tiger”. A cavallo della tigre es un remake del original homónimo de Luigi Comencini. Proyecciones lunes 10: 4 p.m. y miércoles 12: 6 p.m.

SETTE OPERE DI MISERICORDIA – Sette opere di misericordia de Gianluca y Massimiliano De Serio. Italia-Rumanía, 2011. Con Stefano Cassetti, Roberto Herlitzka, Olimpia Melinte, Ignazio Oliva. Premio a mejor dirección en el Festival de Marruecos. Premio Don Quijote y del Jurado Joven a mejor dirección en el Festival de Locarno. 103 min.

Luminita es una joven clandestina rumana que sobrevive gracias al robo del cual debe dar los frutos a sus “patrones”. Luminita tiene, sin embargo, un plan para evadir su control y obtener documentos falsos. Empieza a ponerlo en marcha eligiendo una víctima al azar. La víctima es Antonio, un anciano enfermo que vive en una situación de deterioro y que está obligado, en forma periódica, a internarse en el hospital. Es allí donde ella lo encuentra y empieza a seguir sus movimientos. Proyecciones martes 11: 4 p.m. y miércoles 12: 8.15 p.m.

TENGO ALGO QUE DECIRLES – Mine vaganti de Ferzan Özpetek. Italia, 2010. Con Riccardo Scamarcio, Nicole Grimaudo, Ennio Fantastichini, Lunetta Savino. Premio David de Donatello a mejor actor (E. Fantastichini) y mejor actriz (I. Occhini). Premio del Sindicato Italiano de Críticos a mejor actor (E. Fantastichini) y mejor actriz (L. Savino). 108 min.

Tommaso es el hijo menor de una familia de clase media de una ciudad de provincias de Italia y vive en Roma. En la visita a sus padres, tiene la intención de confesar que su sueño es ser escritor y que además es homosexual, con la esperanza de finalmente poder ser libre y vivir su vida de forma abierta aun sabiendo que ello conllevará seguramente que su padre le eche de la familia. Cuando está a punto de anunciarlo, su hermano mayor se adelanta con otra notica que provoca un infarto al padre y su expulsión de la familia. Tommaso se ve obligado a llevar la empresa mientras su progenitor se recupera y sin poder confesar lo que quería. Proyecciones lunes 10: 8.15 p.m., martes 11: 6 p.m. y jueves 13: 4 p.m.

MAGNÍFICA PRESENCIA – Magnifica presenza de Ferzan Ozpetek. Italia, 2012. Con Elio Germano, Margherita Buy, Vittoria Puccini, Giuseppe Fiorello. Premio del Público en el Festival de Moscú. Premio a mejor guión original del Sindicato Italiano de Críticos. 105 min.

La cinta cuenta la historia de Pietro, un joven siciliano que se va a vivir a Roma persiguiendo al amor de una noche y el sueño de ser actor. Un día alquila un piso en una casa antigua y empieza a ver fantasmas. Según Ferzan Ozpetek no se trata de magia: “En la película no hay magia, se habla de lo que es real y de lo que no es real. Cuando tratamos de descubrir porqué existen esas presencias que proceden de la Segunda Guerra Mundial, inmediatamente volvemos los ojos hacia Pirandello y el mundo que creó entre realidad y ficción. No habla de la magia, sino de la realidad y la ficción.” Proyecciones martes 11: 8.15 p.m. y jueves 13: 6 p.m.

FAIRYTALE de Christian Bisceglia y Ascanio Malgarini. Italia, 2012. Con Ángela Presepi, Giuliano Montaldo, Harriet MacMasters-Green. 84 min.

Tras su divorcio, Sophia decide trasladarse a Latina, al sur de Italia, junto con la pequeña Helena. La nueva casa está situada en un edificio austero de la época fascista, y oculta un misterioso armario de oscuros secretos. Después de la pérdida del primer diente de leche de Helena, empieza la pesadilla. Helena se ha obsesionado con el hada de los dientes y su madre asiste impotente a los acontecimientos que cada vez van peor. Proyecciones lunes 10: 6 p.m. y miércoles 12: 4 p.m.